Li Lorian (Jerusalem/Gießen) arbeitet in den Feldern Theater, Video, Bildende Kunst, sowie als Performerin. In ihrem künstlerischen Prozess untersucht sie visuelle Sprache und neue Praktiken der Performance. Dabei interessiert sie sich insbesondere für politische Situationen und dafür, wie dokumentarische Elemente in poetische Mittel überführt werden können. 

Mattin (Bilbao/Berlin) setzt sich in seinen Live-Performances, Aufnahmen und Texten mit den sozialen und ökonomischen Bedingungen experimenteller Musik auseinander. Die Improvisation untersucht er auf ihre einzelnen Parameter – wie etwa die Idee der Freiheit – hin, um die Konventionen dieses Genres auszutesten.

Im praktisch aufgebauten Workshop werden ausgewählte Arbeiten der Medien-Theater-Gruppe machina eX analysiert und selbstständig an exemplarischen Game-Theater-Prototypen gebaut. Der Fokus liegt dabei auf die gegenwärtig viel zitierte analog-digitale Schnittstelle und sucht nach Formaten, welche unterschiedliche digitalen Kommunikationsmittel für die Aufführung nutzt. Wir setzen uns mit Fernsteuerungsmodalitäten auseinander und lernen Strategien und Tools für den Einsatz von Game Design im Theater kennen.

Yves Regenass (Dramaturgie, Performance, Regie) hat an der Universität Hildesheim Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis studiert und ist Gründungsmitglied der Medien-Theater-Gruppe machina eX, mit welcher er zahlreiche Produktionen in und ausserhalb Europas realisierte. Von 2013 bis 2017 arbeitete er als Programmdramaturg am ROXY Birsfelden (CH), wo er zahlreiche Produktionen im Bereich Theater, Performance und Tanz begleitete. Seit einigen Jahren lehrt er zum Thema Spiele im Theater etwa an der Bundesakademie für kulturelle Bildung Wolfenbüttel, der Hochschule der Künste in Bern und an vielen weiteren Orten. Mit machina eX hat Yves Regenass den Georg-Tabori-Preis gewonnen, Projekte von ihm wurden u.a. zum Impulse Festival, Theater der Welt und dem Schweizer Theatertreffen eingeladen. 

Christine Chu ist Choreografin, Tänzerin und Performerin.

Studierte Modernen Tanz an der Folkwang-Hochschule der Künste und arbeitete viele Jahre mit dem Frauen-Butoh-Ensemble Ariadone von Carlotta Ikeda, des weiteren als zeitgenössische Tänzerin u.a.mit Ingo Reulecke, Kim van der Boon und Rubato. Von 2000 bis 2003 Zusammenarbeit mit der Companhia Paulo Ribeiro, Portugal.

Der Focus ihrer künstlerischen und pädagogischen Tätigkeit liegt auf der interdisziplinären Arbeit mit Tanz, Theater und anderen Medien. Der Körper und seine Stofflichkeit sowie die Sublimation derselben bilden das Zentrum ihrer künstlerischen Arbeit. Ihre Projekte wurden mehrfach ausgezeichnet, u.a. zweimalige Preisträgerin Stuttgarter Theaterpreis. Von 2006 bis 2016 unterrichtete sie im Studiengang ‚Intermediales Gestalten‘ an der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

From 2018 to 2021, Judith Siegmund was Professor of Contemporary Aesthetics at the State University of Music and Performing Arts Stuttgart. Prior to that, she held a junior professorship in Design Theory/Aesthetic Theory with a subfocus on Gender Theory at the University of the Arts Berlin (2011–2018), served as a substitute professor in the Department of the History of Philosophy at the Institute of Philosophy, Free University Berlin (2015/16), and held various research and teaching positions at multiple universities and art academies.

Thomas Maos bewegt sich zwischen populärer und
experimenteller, komponierter und frei improvisierter Musik. Seit über 20 Jahren arbeitet er mit Musikern, Schauspielern, Theatern, Lichtkünstlern und Tänzern in interdisziplinären
Projekten zusammen. Sein 1999 gegründetes CAMP-Festival war mehrfach im Ausland zu Gast (Rumänien, Bulgarien, Kroatien, Italien,
Portugal) und wurde 2013 auf die Kunstbiennale in Venedig eingeladen. Für den mehrfach ausgezeichneten Gitarristen (Stipendium Kunststiftung Baden-Württemberg, Schloss
Solitude Stuttgart, Baden-Württembergischer Theaterpreis 2017) steht die Arbeit am Klang im Vordergrund. Seine Leidenschaft ist die elektro-akustische Musik und die Erweiterung des Klangspektrums der akustischen und elektrischen Gitarre. Thomas Maos komponiert und veröffentlicht regelmäßig Tonträger zwischen Song und Klangkunst. Gemeinsam mit dem Musiker Fried Dähn organisiert er die interdisziplinäre Konzertreihe SONIC VISIONS im Kulturzentrum FranzK. Reutlingen. Aktuelle CD »glühen«

Sybille Neumeyer (1982; lebt in Berlin) ist eine interdependente Künstlerin und Forscherin mit einem Hintergrund in Kunstgeschichte, Linguistik, Ethnologie und visueller Kommunikation. In ihren Kunstwerken und partizipatorischen Workshops untersucht sie Umweltfragen und Beziehungen zwischen Menschen und Nicht-Menschen. Ihre Forschung schöpft aus verschiedenen Bereichen wie Biologie, Wissenschaftsgeschichte, Anthropologie, Medizin, Geologie und Science Fiction – oft in Zusammenarbeit und im Austausch mit Wissenschaftler*innen – und eröffnet postdisziplinäre Perspektiven für ihre Arbeit. Durch polyphone Kartografien, Installationen, Spaziergänge, performative Vorträge und Videoessays untersucht sie die Schnittpunkte von Biodiversitätsverlust, Klimakrise, Biopolitik und Multispezies-Gesundheit. Aktuelle Projekte sind »souvenirs entomologiques« für »Critical Zones – Horizonte einer neuen Erdpolitik«; ZKM Karlsruhe (2020) und »Polyphone Begegnungen – eine narrative Kartierung des Virus« im Rahmen von »Contagious Cities: KOEXISTENZ« im und um das Museum für Naturkunde Berlin (2019).

This practice has sprung up in response to the fact that the digital networks have made possible a radical expansion of access beyond geographic and economic divides, and yet the public libraries were denied from providing that access as a consequence of the limitations of copyright and the economic barriers in the economically uneven world of research and learning. Users digitizing, freeing, and sharing books and articles have stepped up to supplement what public libraries were not able to do. We will also highlight practices of pirate care that go along with digitizing, sharing, creating collections, and maintaining infrastructures of shadow libraries that we have called the custodianship.

We will show how creating a collection can be a political intervention by showing some examples of collections we have created and demonstrate hands-on how one can easily do it.

Marcell Mars is a research associate at the Centre for Postdigital Cultures at Coventry University (UK). Mars is one of the founders of Multimedia Institute/MAMA in Zagreb. His research Ruling Class Studies, started at the Jan van Eyck Academy (2011), examines state-of-the-art digital innovation, adaptation, and intelligence created by corporations such as Google, Amazon, Facebook, and eBay. He is a doctoral student at Digital Cultures Research Lab at Leuphana University, writing a thesis on Foreshadowed Libraries. Together with Tomislav Medak he founded Memory of the World/Public Library, for which he develops and maintains software infrastructure.

Tomislav Medak is a doctoral student at the Centre for Postdigital Cultures at Coventry University. Medak is a member of the theory and publishing team of the Multimedia Institute/MAMA in Zagreb, as well as an amateur librarian for the Memory of the World/Public Library project. His research focuses on technologies, capitalist development, and postcapitalist transition, particularly on economies of intellectual property and unevenness of technoscience. Together with Marcell Mars he coedited Public Library and Guerrilla Open Access.

Prof. Dr. Ulrike Haß ist Theaterwissenschaftlerin, Dramaturgin und Autorin. Sie lehrte bis Herbst 2016 Theaterwissenschaft an der Ruhr-Universität Bochum, begründete das Jahrbuch für das Theater im Ruhrgebiet (2001–2011), initiierte den Masterstudiengang Szenische Forschung und hatte Gastprofessuren u.a. in Paris und Frankfurt am Main inne. Jüngste Veröffentlichung: Kraftfeld Chor. Aischylos Sophokles Kleist Beckett Jelinek, Berlin 2020.

Laura Strack studierte Theaterwissenschaft und Literaturübersetzen. 2020 promovierte sie am internationalen Graduiertenkolleg ›Europäische Kulturstudien‹ der Universitäten Palermo und Düsseldorf zum Thema Farsi comune. Topographien prekärer Theaterorte im Europa der Gegenwart. Als Übersetzerin überträgt sie theoretische und literarische Texte aus dem Französischen und Italienischen.

Shusha Niederberger forscht und lehrt im Bereich Kunst, Kultur und Digitalität. Sie hat bildende und digitale Kunst in Zürich und Wien studiert, hat die Kunstvermittlung am HEK (Haus der elektronischen Künste) in Basel geleitet (2014–21), und unterrichtet zeitgenössische Netzkultur an der F+F Schule für Kunst und Design in Zürich. Sie war Teil des Forschungsprojektes »Creating Commons« (2017–2019, IFCAR, ZHDK), das digitale künstlerische Praktiken als Commoning untersuchte. Gegenwärtig schreibt sie an ihrem PHD zu User Data Praxis als Teil des Forschungsprojektes »Latent Spaces–Performing the Ambiguity of Data« (IFCAR, ZHDK). 

Der Balafonspieler Aly Keïta wurde in Abidjan (Elfenbeinküs­te) geboren. Da auch sein Vater Balafonspieler war, brachte er schon in jungen Jahren sein »Spiel auf den Markt«. Mit anderen Worten: in der Familie Keïta ist das Balafon ein ernstes Geschäft. Aly Keïta baut und spielt seit seiner Kindheit seine eigenen Instrumente und hat es heute bis an die Seite der Besten geschafft: Rhoda Scott, Omar Sosa, Joe Zawinul, Pharoah Sanders, Paolo Fresu, Éti­enne M’Bappé, Paco Séry, Trilok Gurtu, Jan Garbarek und viele andere. Aktuell lebt Aly Keïta in Berlin. 

Dieser Künstler*innen gründen Organisationen und Institutionen – aber nicht als Mittel zum Zweck. Vielmehr sind diese Organisationen selbst die eigentliche künstlerische Arbeit. Die Institution wird zur Kunst und die Kunst zur Institution. Handlungsräume und Einflussmöglichkeiten werden erweitert, aber auch ästhetische Möglichkeiten, wenn sich symbolische Praxis mit strukturellem Effekt verbindet.

Der Vortrag stellt sehr unterschiedliche artist organisations vor: Von Marina Naprushkinas »Büro für Antipropaganda« über die »School of Engaged Art« der russische Gruppe Chto Delat, Tania Brugueras »Instituto de Artivismo Hannah Arendt (INSTAR)« und Renzo Martens »Institute for Human Activities (IHA)« bis hin zu Yael Bartanas »Jewish Renaissance Movement in Poland (JRMiP)«, bis hin zur »Silent University« und der Wiener Wochenklausur.

Florian Malzacher ist freier Kurator, Dramaturg und Autor. 2012–2017 war er Künstlerischer Leiter des Impulse Theater Festivals davor sieben Jahre Leitender Dramaturg/Kurator des Festivals steirischer herbst. Als Dramatug arbeitete er u.a. mit Rimini Protokoll, Lola Arias (ARG), Mariano Pensotti (ARG) oder regelmäßig dem Nature Theater of Oklahoma (USA). Zuletzt erschienen u.a. Not Just a Mirror. Looking for the Political Theatre of Today (2015) und Empty Stages, Crowded Flats. Performativity as Curatorial Strategy (mit Joanna Warsza, 2017). 2020 erschien sein Buch Gesellschaftsspiele. Politisches Theater heute. Seit Anfang 2021 ist er Gastgeber der Reihe The Art of Assembly. Florian Malzacher lebt in Berlin.

Winnie Huang is a Chinese-Australian violinist, violist, gestural performance artist and composer currently based between Belgium and France. An active performer of new music, Winnie is a founding member and solo violinist of Paris based new music ensemble soundinitiative and co-founder and member of performative duo LOOKOUT. As part of the Contemporary Leaders, Winnie is also currently co-curating the Lucerne Festival Forward.
She continually works with emerging and established composers, such as Jessie Marino, Bernhard Lang, Sivan Cohen Elias, Chris Swithinbank, Clara Iannotta, Michelle Agnes Magalhaes, Joanna Bailie, Charlie Sdraulig, Alexander Schubert, Carolyn Chen, Mauro Lanza and Peter Ablinger and regularly performs with international ensembles such as Nadar Ensemble (BE), lovemusic (FR), Down the Rabbit Hole (BE), Ensemble Linea (FR), Lucilin Ensemble (LUX), MAM (DE), and Australian ensemble Argonaut. Winnie frequently performs at international festivals such as Ars Musica, Donaueschinger Musiktage Festival, Musikfest Berlin, Manifeste, Lucerne Festival, Klang Festival, Festival Royaumont, Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik, Internationale Ferienkurse für Neue Musik in Darmstadt, Festival Automne, Ruhrtriennale, BIFEM, Brisbane Festival, Warsaw Autumn among others. 

Als transdisziplinäres Forschungs- und Kreativprojekt ist The Sphere ein Ort des wechselseitigen Austauschs zwischen künstlerischen Prozessen (Kunstströme) und Finanzierungspraktiken (Wirtschaftsströme). Es zielt darauf ab, eine der zentralen Herausforderungen unserer Zeit pragmatisch anzugehen: das Überdenken nachhaltiger Werteproduktion und -verteilung in einer Zeit tiefgreifender kultureller und ökologischer Veränderungen.

Erik Bordeleau ist Philosoph, Schriftsteller und Organisator der vor kurzem als Forscher an der NOVA-Universität Lissabon im Bereich Kino und Philosophie eingestellt wurde. Er hat mehrere Bücher und Artikel in verschiedenen Sprachen an der Schnittstelle von politischer Philosophie, zeitgenössischer Kunst, Weltkino, Blockchain-Kulturen, Finanzen und Medientheorie veröffentlicht und mit herausgegeben. Eine deutsche Übersetzung seines Buches über die Commons, Das Common des Komunismus. Eine Kartographie, ist Anfang dieses Jahres im Büchner Verlag (2021) erschienen. In Zusammenarbeit mit Saloranta & De Vylder entwickelt er The Sphere, eine Web 3.0-Infrastruktur für die Selbstorganisation in den darstellenden Künsten.

Olle Strandberg ist ein Regisseur und Künstler, der mit Zirkus als Ausgangspunkt arbeitet. In den 2010er Jahren war er Regisseur bei der Kompanie Cirkus Cirkör, wo seine Produktionen über 600 Mal vor einem weltweiten Publikum aufgeführt wurden. Insgeheim interessierte er sich zunehmend für die Krypto-Community, in der er sich irgendwo am Rand des dunklen Waldes verirrt hat. Dort ist Olle zum Gründer und künstlerischen Mitarbeiter der Firma Saloranta & de Vylder sowie zu einem der Initiatoren von The Sphere geworden. Heute ist er auf der Suche nach etwas, das ihn zurück oder vorwärts oder irgendwohin führen kann.

Tactical Tech ist eine internationale NRO, die mit Bürgern und zivilgesellschaftlichen Organisationen zusammenarbeitet, um die Auswirkungen der Technologie auf die Gesellschaft zu erforschen und abzumildern.
Unsere Vision ist eine Welt, in der digitale Technologien zu einer gerechteren, demokratischeren und nachhaltigeren Gesellschaft beitragen können. Um diesen Wandel zu ermöglichen, untersuchen wir, wie sich digitale Technologien auf die Gesellschaft und die Autonomie des Einzelnen auswirken, und nutzen unsere Erkenntnisse, um praktische Lösungen für Bürger und Akteure der Zivilgesellschaft zu entwickeln. 

Christopher Dell (Dr. phil. habil.) ist Städtebau- und Architekturtheoretiker, Komponist und Musiker. Dell war Professor für Städtebautheorie am Lehrstuhl Urban Design der HafenCity Universität Hamburg, am Lehrstuhl Städtebau der TU München und an der Universität der Künste, Berlin. Dell ist Leiter des ifit, Institut für Improvisationstechnologie, Berlin. Seit 2021 ist er Mitglied im Designbüro integral desingers, Paris.
Als Musiker und Komponist arbeitet Christopher Dell an der Schnittstelle zwischen zeitgenössischer komponierter und improvisierter Musik. Die FAZ nannte ihn den »größten Vibraphontechniker der europäischen Jazzgeschichte.« 

School of Commons (SoC) ist eine gemeinschaftsbasierte Initiative an der Zürcher Hochschule der Künste, die sich dem Studium und der Entwicklung von dezentriertem Wissen widmet. Wir fördern ein breites, integratives Verständnis von Wissen und konzentrieren uns auf Fragen der Organisation rund um die Produktion und Vermittlung von Wissen. Gegründet im Jahr 2016 als Raum für selbstorganisierte Bildung und Forschung, ist es unser Ziel, ein offenes Umfeld zu schaffen, das es einer internationalen Gemeinschaft von Künstler*innen, Designer*innen, Musiker*innen, Wissenschaftler*innen und Pädagog*innen ermöglicht, gemeinsam und in eigener Regie Wissenspraktiken zu erneuern, zu hinterfragen und zu diskutieren. 

Elsa M’Bala geht von dem aus, was Eduard Glissant als Kreolisierung bezeichnet hat: der Prozess der Vermischung ver­schiedener bestehender Kulturen, um eine neue hybride Kultur zu schaffen. Jeder Track, der in diesem Vortrag vorgestellt wird, veranschaulicht ihre spezielle Arbeitsmethode, die durch die Verwendung von Klangsamples, die Aktivierung von Archiven und die Mischung von traditionellen und modernen Musikstilen gekennzeichnet ist. Traditionelle afrikanische Instrumente, Rap, House­ Music, ein Interview mit Eduard Glissant und Samples mit südafrikanischer Sprache verschmelzen zu einer neuen hybriden Denkweise. 

Kai Wiegandt ist Professor für Literatur an der Barenboim-Said Akademie Berlin. Seine Arbeitsschwerpunkte umfassen postkoloniale Literatur und Weltliteratur, Migrationsliteratur, frühneuzeitliche Literatur und Kultur, literarische Anthropologie und die Berührungspunkte zwischen Philosophie und Literatur. Im Jahr 2014 wurde er zum Mitglied der Jungen Akademie an der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften gewählt, 2018 wurde er von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) ins Heisenberg-Programm aufgenommen. 

Wenn Negation die richtige Kategorie ist, macht es einen großen Unterschied, ob etwas nicht Theater, nicht Tanz, nicht Musik, nicht Skulptur oder nicht Malerei ist. Aber selbst diese Negationen suggerieren eine zu große Einheit, wenn auch nicht in Bezug auf den Inhalt so doch in Bezug auf das Verfahren. Tatsächlich sind die Modi der Distanzierung von der jeweiligen Disziplin so verschieden wie das, von dem sie sich absetzen, und man müsste Abweichung und Dislokation zur Negation hinzufügen; überdies konvergieren die verschiedenen Bewegungen keineswegs. Um dieses Feld aufzuarbeiten, ist es notwendig nachzuzeichnen, wo eine performative Praxis herkommt und wo sie stattfindet, und die Kategorien des Materials und des Ortes werden zu zentralen Mitteln der Betrachtung.

Der Vortrag wird diese Ideen theoretisch und historisch ausarbeiten und an einigen Beispielen erproben.

Aus dem Klappentext des Laaber-Verlags:

»Helmut Lachenmann gehört seit langem zu den prägenden Persönlichkeiten der Gegenwartsmusik, seine Werke werden weltweit gespielt, ihr Rang steht außer Frage. Die vorliegende Monographie zeigt auf der Basis eingehender Quellen- und Werkbetrachtungen, dass der Weg des Komponisten einerseits konsequent ist, aber die im Laufe von 60 Jahren entstandenen Werkkonzeptionen andererseits doch von signifikanten Differenzen, Prozessen der Öffnung sowie Neuansätzen getragen sind. Lachenmanns Schaffen weist dabei vielerlei Resonanzen und Reflexionen anderer kompositorischer Ansätze sowie von verschiedenen philosophischen Positionen auf.«

Jörn Peter Hiekel: Helmut Lachenmann und seine Zeit (Große Komponisten und ihre Zeit), Laaber-Verlag 2023, 46,80 €

Aus Anlass des Erscheinens im Frühjahr diesen Jahres berichtet der Autor über die Entstehung und Konzeption des Bandes. Am anschließenden Roundtable ist Helmut Lachenmann selber beteiligt.

Die Arbeiten von deufert&plischke sind unbedingte Bekenntnisse zum partizipativen Prozess. Mit ihren spielerischen Regelsystemen, offenen Scores und Partituren entwerfen sie ihre ganz eigene Form der sozialen Choreografie. Kattrin Deufert und Thomas Plischke haben in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren als Künstlerzwilling von Beginn an miteinander und mit anderen kooperiert–ihre Performances und transdisziplinären Werke entstehen stets im Dialog, stellen die Hierarchie zwischen Kunstschaffenden und Publikum in Frage und erschaffen neue Räume, in denen Platz bleibt für die Imagination der Beteiligten. 

Die Geschichte der zeitgenössischen klassischen und elektronischen Musik, wie sie an Universitäten und Kunstschulen gelehrt wird, ist offensichtlich voreingenommen und benötigt dringend ein umfassendes Update. Das Konzept der Dekolonisierung steht im Zentrum der vorgeschlagenen Lösungen.

Obwohl es Dokumentationen und Forschung zu diesen Themen gibt, ist es wichtig zu beachten, dass die Zugänglichkeit und Verfügbarkeit dieser Informationen variieren können und sich einige Studien, Websites und Geschichtsbücher oft auf sehr wenige Länder oder Regionen konzentrieren. Akademische Zeitschriften, Musik Publikationen und Universitäten Forschungszentren veröffentlichen oft Studien über nicht-westliche Musik, aber im Bereich der zeitgenössischen klassischen und elektronischen Musik bleibt dies ziemlich begrenzt.
Zusätzlich hat das Aufkommen digitaler Plattformen und Archive das Teilen von Aufnahmen und Informationen erleichtert. Für die aktuellsten und detailliertesten Informationen wird empfohlen, aktuelle wissenschaftliche Veröffentlichungen, Musikzeitschriften und Online-Repositorien zu überprüfen und die Arbeit von Gelehrten, Institutionen und lokalen unabhängigen Forschern zu erkunden, die sich aktiv mit der Dokumentation und Erforschung nicht-westlicher elektronischer, elektroakustischer, experimenteller und zeitgenössischer klassischer Musik beschäftigen.

Aber für Nicht-Wissenschaftler sind diese Dokumente nicht immer zugänglich. Wie können wir die akademischen Kreise herausfordern, inklusiver zu sein und ihr Wissen breiter zu teilen?
Darüber hinaus wird die Präsentation die Integration kulturell relevanter Repertoires und die Förderung eines inklusiven Lern-Umfelds thematisieren. Das Ziel ist es, die Studierenden zu befähigen, die Vielfalt musikalischer Traditionen jenseits des westlichen Kanons zu erkunden und zu schätzen.

Cedrik Fermont ist ein belgisch/kongostämmiger Komponist, Musiker, Produzent, Autor und Labelbetreiber, der im Bereich Noise und elektronische und experimentelle Musik seit 1989 aktiv ist. Seine Kompositionen und Installationen bewegen sich zwischen Sound Art und elektroakustischer Musik, Noise und konventionellerer Tanzmusik.

Seinen Konzertreisen und Forschungen brachten ihn als Musiker und Vortragenden in mehr als 60 Länder in Europa, Asien, Afrika und Amerika. Er hat eine umfangreiche Datenbank mit asiatischer und amerikanischer experimenteller Musik aufgebaut (syrphe.com)

Die Aristotelische Unterscheidung von poiesis und praxis aufnehmend, expliziert Arendt den intersubjektiven Vollzug von praxis zusätzlich als ein Überschussgeschehen weit über die möglichen Intentionen des/der Handelnden hinaus. Dieses Überschussgeschehen findet im Raum der Erscheinungen statt, wo die Handlung von anderen gesehen, beurteilt, erzählt d.h. verstanden werden und dadurch erst eigentlich erst als »Handlung« in Arendts emphatischen Sinn gelten kann.

Sophie Loidolt ist Professorin für Philosophie an der TU Darmstadt. Ihre Forschungsschwerpunkte liegen in der Phänomenologie, der politischen Philosophie, der Rechtsphilosophie und Ethik sowie in der Transzendentalphilosophie und der Philosophie des Geistes.

Joanna Warsza ist Kuratorin für bildende und darstellende Kunst sowie für Architektur. Sie studierte an der Theaterakademie Warschau Dramaturgie und an der Universität Paris 8. 2007 gründete sie die Laura Palmer Foundation, eine Plattform für unabhängige Kunst-, Performance-, Architektur- und Theorieprojekte, und leitete sie bis 2011. Warsza arbeitet vorwiegend im öffentlichen Raum und untersucht mit ihren kuratorischen Projekten soziale und politische Agenden, wie z. B. die Unsichtbarkeit der vietnamesischen Community in Warschau, israelische Jugenddelegationen in Polen und das Erbe der postsowjetischen Architektur im Kaukasus. Zuletzt war sie Leiterin des »Public Program« der Manifesta 10 in St. Petersburg (2014), kuratierte den georgischen Pavillon bei der 55. Internationalen Kunstausstellung, La Biennale di Venezia (2013) und war assoziierte Kuratorin der 7. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst (2012). Derzeit lehrt sie als Senior Lecturer am CuratorLab an der Konstfack in Stockholm. Sie lebt in Berlin und Warschau.

Lydia Rilling ist Kuratorin und Musikwissenschaftlerin mit dem Schwerpunkt zeitgenössische Musik und Musiktheater. Seit März 2022 ist sie die Künstlerische Leiterin der Donaueschinger Musiktage. Zuvor leitete sie seit 2016 das Festival rainy days und war Chefdramaturgin an der Philharmonie Luxembourg. In dieser Funktion gehörte sie 2017 auch zu den Initiatorinnen des red bridge project, das Bildende Kunst, Musik, Tanz, Theater und Performance verbindet. Als Autorin, Moderatorin und Journalistin war sie von 2005 bis 2016 für zahlreiche Institutionen tätig, u. a. für den SWR und die Berliner Festspiele. 2015 co-kuratierte sie das Programm »Thinking Together« des Festivals MaerzMusik. Von 2011 bis 2016 lehrte und forschte sie als Musikwissenschaftlerin an der Universität Potsdam. Zuvor war sie Visiting Scholar an der Columbia University in New York. 

Florian Malzacher ist Kurator, Autor und Dramaturg, sowie Gastgeber von The Art of Assembly, einer Serie von Vorträgen und Gesprächen über das Potential von Versammlungen in Kunst, Aktivismus und Politik (seit 2021). Zu seinen derzeitigen Projekten gehört u.a. Training for the Future (mit Jonas Staal, seit 2018). Er ist Mitherausgeber der Reihe Postdramatisches Theater in Portraits im Alexander Verlag Berlin. 2020 erschien sein Buch Gesellschaftsspiele. Politisches Theater heute. Seine Texte wurden in 15 Sprachen übersetzt. 2013–17 war er Künstlerischer Leiter des Impulse Theater Festivals (Düsseldorf, Köln und Mülheim/Ruhr), 2006–12 Leitender Dramaturg/Kurator des multidisziplinären Festivals steirischer herbst in Graz/Österreich, sowie 2018–20 kuratorischer Berater der Ruhrtriennale. Gastprofessuren, Lehraufträge, Master Classes führten ihn u.a. an Universitäten und Kunsthochschulen in Amsterdam. Berlin, Frankfurt, Gießen, Helsinki, Leipzig, Oslo, Taipei, Wien, Zagreb und Zürich.

Anne Lepper ist Dramatikerin. Sie studierte Philosophie, Literatur und Geschichte in Wuppertal, Köln und Bonn. Mit ihrem Debütstück Sonst alles ist drinnen wurde sie 2009 zur »Langen Nacht der neuen Dramatik« nach München eingeladen und gewann dort den Publikums- und Förderpreis. 2010 nahm Lepper am »Forum Junger Autoren Europas« der Theaterbiennale »Neue Stücke aus Europa« in Wiesbaden und Mainz teil. Es folgten die Theaterstücke Hund wohin gehen wir, mit welchem sie zum tt-Stückemarkt des Berliner Theatertreffens 2011 eingeladen wurde, sowie Seymour oder ich bin nur aus Versehen hier, das 2012 in der Regie von Claudia Bauer am Schauspiel Hannoveruraufgeführt wurde und zwei Jahre später in Bern zur Schweizer Erstaufführung kam. Beide Texte wurden außerdem vom Westdeutschen Rundfunk als Hörspiele produziert. Mit ihrem Stück Käthe Hermann wurde sie 2012 erstmals zu den Mülheimer Theatertagen eingeladen sowie zu den Autorentheatertagen am Deutschen Theater Berlin. In der Kritikerumfrage von Theater heute wurde Lepper zur Nachwuchsdramatikerin des Jahres 2012 gewählt.
Mit dem Stück Mädchen in Not gewann sie 2017 den Mülheimer Dramatikerpreis und wurde zur Dramatikerin des Jahres gekürt. Der Stücktext diente als Libretto für die gleichnamige Bearbeitung als Oper, die 2022 in Dortmund uraufgeführt wurde.
2021 kam ihr Frühwerk Hund wohin gehen wir am Staatstheater Darmstadt zur Uraufführung. Lepper ist Mitgründerin des PEN Berlin. Sie schreibt aktuell im Auftrag für das Staatstheater Stuttgart und das Schauspiel Essen. 

Ruth Sonderegger ist Professorin für Philosophie und ästhetische Theorie an der Akademie der bildenden Künste Wien. Sie promovierte an der FU Berlin und unterrichtete danach mehrere Jahre am Philosophie-Institut der Universiteit van Amsterdam. Ihre derzeitigen Forschungsfelder sind: Konstitution und Geschichte der westlichen philosophischen Ästhetik (im Kontext der ursprünglichen Akkumulation), Praxistheorien, Cultural Studies, kritische Theorien des Racial Capitalism und Widerstandsforschung. 

Der Campus Gegenwart lädt ein zur Präsentation und gemeinsamen Diskussion mit Daniel Martin Feige, Professor für Philosophie und Ästhetik an der ABK Stuttgart, Maria Huber, Wissenschaftliche Mitarbeit am Campus Gegenwart & künstlerische Expertise und Christian Grüny, Professor für Gegenwartsästhetik an der HMDK. 

Lina Lapelytė will discuss her most recent works including The Mutes, what happens with a dead fish?, Currents and Study of Slope as well as previous works such as Sun and Sea (Marina), Ladies, Pirouette and Play for the Parallels. The artist talk will be followed by a sound walk with the artist. 

Podiumsgespräch mit:
» Prof.in Dr.in Eva-Maria Seng Rektorin der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
« Dr.in Barbara Eggert Rektorin der Merz Akademie Stuttgart
» Axel Köhler Rektor der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart
« Marc Gegenfurtner Amtsleiter des Kulturamts der Stadt Stuttgart
» Prof.in Britta Wirthmüller Professorin für Performance am CAMPUS GEGENWART der HMDK
« Prof. Dr. Christian Grüny Professor für Gegenwartsästhetik & Philosophie am CAMPUS GEGENWART der HMDK

Viktoriia Vitrenko ist eine vielseitige ukrainische Sopranistin, Dirigentin und Künstlerische Leiterin. Ihr Debütalbum »Szenen« (2019, AUDITE) mit Kammermusik von György Kurtág wurde mit dem Supersonic Pizzicato Award ausgezeichnet und erhielt Nominierungen für den Deutschen Schallplattenkritikpreis (PdSK-2019) und den International Contemporary Music Award 2020 (ICMA 2020). Als unabhängige Künstlerin war Viktoriia Vitrenko 2021 Artist-in-Residence an der »Cité internationale des arts« in Paris, gefolgt von einem Aufenthalt an der Akademie Schloss Solitude in Stuttgart (2023/24). Sie ist Alumna des Projekts »InSzene Vokal« des Deutschen Musikrates für zeitgenössische Musik und wurde 2023 mit dem Michiko Hirayama Preis der Scelsi Foundation in Italien ausgezeichnet. Sie ist auch Mitbegründerin und derzeitige Mitkuratorin der InterAKT-Initiative, einem unabhängigen Kollektiv interdisziplinärer Künstler in Stuttgart.

Jee-Ae Lim (sie/ihr) ist eine aus Südkorea stammende Tänzerin und Choreografin, die in Berlin lebt. Sie hat in Seoul koreanischen Tanz studiert und am HZT der Universität der Künste Berlin in Solo/Dance/Authorship einen MA-Abschluss erworben. Mit ihrer eigens entwickelten choreografischen Ausdrucksform verbindet sie Elemente des zeitgenössischen und traditionellen Tanzes. Ihr künstlerisches Interesse gilt der Betrachtung des Körpers als Verwahrungsort kultureller Erfahrungen und Erinnerungen, der Tradition und Gegenwart, individuelles und kulturelles Gedächtnis, Mobilität und Heimat zusammenführt. Inspiration für ihre Arbeit ist ihre persönliche Diaspora-Erfahrung, die sie körperlich im Tanz zum Ausdruck bringt.

Das digitale Archiv der Freien Darstellenden Künste hat sich aufgemacht, diese Materialien sichtbar zu machen, Informationen und Dokumente zu sammeln, zu verknüpfen und sichtbar zu machen. Die Künste digital sichtbar zu machen ist auch Ziel von tanz:digital. Die Plattform verbindet Tanz- und Mediengeschichte mit aktuellen künstlerischen Arbeiten und Medienobjekten in einem digitalen Archiv. Zum Potential dieser Entwicklungen spricht Michael Freundt, Theaterwissenschaftler, Autor und Geschäftsführer des Dachverband Tanz.

Maria Huber ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Campus Gegenwart und beschäftigt sich in in ihrer Forschung mit digitalen Performances, mit Probenethnografie und Ideen des Neuen Materialismus sowie dekolonialen und queeren Theorien. Der Vortrag findet in Englischer Lautsprache statt, im Anschluss erfolgt eine offene Gesprächsrunde in der auch einzelne Begrifflichkeiten und Zusammenhänge noch einmal auf Deutsch erklärt werden können.

Ausgehend von zeitgenössischen installativen und performativen Arbeiten (u.a. Arthur Jafas AGHDRA, Isaac Juliens »Western Union: Small Boats«, Selina Thompsons »SALT«) geht dieser Vortrag der Frage nach, was es heißen könnte, diesen liquiden Schauplatz der Unterwerfung wiederaufzusuchen und den Ozean als flüssiges Archiv zu betrachten, das in sich die Spuren dieser Gewaltgeschichte trägt.

Wie verbinden wir uns mit unserer Umgebung, miteinander und mit den Prozessen, die uns bewegen? Connecting Through ist ein performatives Format, die den Moment des Austauschs in den Mittelpunkt stellt – zwischen Körpern, Materialien, Räumen und Zeiten.

Die Studierenden eröffnen einen Raum, in dem fluide und interdisziplinäre Arbeiten sichtbar werden. Prozesse hinterlassen Spuren, Dialoge formen sich, Impulse wandeln sich – alles bleibt in Bewegung. Über den Tag hinweg entsteht eine lebendige Kartografie künstlerischer Praktiken, die sich durch Begegnung, Zuhören, Teilen und Reagieren weiterentwickelt.

Alexander Cameltoe is one of Germany‘s most prominent Drag Kings. His work ranges from performing at the Stuttgart Opera, writing and directing his own plays, hosting a monthly show in Berlin and touring internationally. He is known best for his theatrically gripping acts, and chameleon-like transformations.

Participants will be asked to prepare a mood-board of inspiration and a loose concept before beginning. For those interested in a deeper dive, Alexander will be teaching two Drag Makeup Workshops at the Weißenburg Queer Communiy Center in Stuttgart on the 10th and 11th (Masterclass and Beginner 101).

Shannon Jackson ist Cyrus und Michelle Hadidi Professorin für Arts & Humanities und Vorsitzende der Kunstgeschichte an der University of California, Berkeley. Ihre Forschung konzentriert sich auf interdisziplinäre Zusammenarbeit in visuellen, performativen und Medienkünsten sowie die Rolle der Künste in sozialen Institutionen und gesellschaftlichem Wandel. Sie ist Autorin mehrerer Bücher, darunter Back Stages (2022), und leitet die Environmental Arts & Humanities Initiative an der UC Berkeley. Jackson erhielt zahlreiche Auszeichnungen, u.a. ein Guggenheim-Stipendium, und engagiert sich in vielfältigen Kunst- und Wissenschaftsorganisationen.

9:30 Uhr
Performance Jonathan Burrows & Matteo Fargion

10:00 Uhr
Introduction by Christian Grüny & Britta Wirthmüller

10:30 Uhr
Stephanie Schroedter: Research into Sound and Performative Movement–from Translations and Transformations to Participatory Sense Making

11:30 Uhr
Coffee break

12:00 Uhr
Litó Walkey: The Way Writing Moves and How Movement Writes–Instances of Language and Performance that Trace and Invite Affective Circulations of Sense and Self-drifting

13:00 Uhr
Lunch break

14:30 Uhr
Adrian Heathfield: Carrying Things Together/Gathering

15:30 Uhr
Eloain Lovis Hübner: Structuring Queering [?] the World. On Compositional Thinking in More-Than-Musical Contexts

16:30 Uhr
Coffee break

17:00 Uhr
Round table

Der 1827 gegründete Württembergische Kunstverein, der sich im Zentrum der Stadt Stuttgart direkt am Schlossplatz befindet, gehört mit seinen rund 2.500 Mitgliedern, einer Ausstellungs- und Veranstaltungsfläche von über 1.700 qm, Werkstätten und einem Atelierhaus zu den größten Kunstvereinen in Deutschland. Sein gleichermaßen lokal wie global ausgerichtetes Programm, das immer wieder neue und ungewöhnliche Formen der Präsentation, Vermittlung und Partizipation auslotet, wird nicht nur in Stuttgart, sondern auch auf breiter internationaler Ebene beachtet.

Die Direktor*innen Iris Dressler und Hans D. Christ geben in einem Gespräch Einblicke in der Arbeit und die Verortung des WKV im Kontext der Stuttgarter Kulturszene.

Der Vortrag »Place is the Space« untersucht die Bedeutung des Ortes als konstitutives Moment künstlerischer Praxis. In Anlehnung an – und zugleich in Umkehrung von – Sun Ras Diktum »Space is the Place« verschiebt sich der Fokus von der utopischen Befreiung durch Kunst hin zur Bindung der Kunst an ihre jeweiligen Kontexte. Anstatt den Raum der Imagination zu privilegieren, wird das Primat des Ortes, der sozialen, historischen und institutionellen Bedingungen, in den Vordergrund gestellt. Ausgehend von drei konkreten Fehlentscheidungen aus meiner eigenen künstlerischen Laufbahn zeige ich im Vortrag, wie Irrtümer produktiv werden können, wenn sie als Symptome struktureller Spannungen gelesen werden. »Place is the Space« versteht sich damit als Plädoyer für eine transdisziplinäre Praxis, die nicht über den Kontext hinausstrebt, sondern ihn zum eigentlichen Ort des Denkens und Handelns macht.

Der Wagenhalle e.V. hat seit 2004 eine einzigartige Produktionsstätte am Stuttgarter Nordbahnhof entwickelt und sich nach einer grundlegenden Sanierung und Erweiterung der Wagen­halle ab 2020 dauerhaft als Kunst- und Kulturzentrum in Stuttgart etabliert. Die ehemalige Wageninstandsetzungshalle von 1895, die beiden Atelierhäuser und der Neubau beherbergen 96 Ateliers, Studios und Werkstätten für 150 Kunst- und Kulturschaffende aus bildender und darstellender Kunst, Musik, Fotografie, Grafik- und Webdesign, Kunsthandwerk, Architektur, Baubotanik, kuratorischer Praxis sowie Film und Medienkunst. Der KVWH und seine Mitglieder bespielen den Projektraum mit einem vielfältigen und offenen Programm, nehmen eine aktive Rolle in der Quartiersentwicklung vor Ort ein und wollen in Zukunft einen lebendigen Stadtteil Rosenstein mitgestalten.

Franziska Stulle führt durch das Hülsewig-Haus, das einen umfassenden Einblick in das Leben und Schaffen der Künstlerin Nana Hülsewig gibt. Die Wohnung wird zur künstlerischen Gesamtinstallation: Alltägliche Artefakte, Gemälde, Video- und Kostümarbeiten sind in den Räumen ausgestellt und bezeugen Nanas Existenz und künstlerisches Werk.

Im Anschluss findet ein Gespräch zwischen Nana Hülsewig und Britta Wirthmüller statt.

Prof. Nikola Lutz ist Saxofonistin, Komponistin und Mitgründerin des Stuttgarter Kollektivs für aktuelle Musik – S-K-A-M e.V Am Campus Gegenwart stellt sie das Netzwerk vor, das seit 2015 die freie Szene der neuen, experimentellen und improvisierten Musik in Stuttgart bündelt. S-K-A-M versteht sich als Plattform für zeitgenössische Klangkunst an ungewöhnlichen Orten und als Motor für eine lebendige, offene Musiklandschaft.

Das JOiN – die Junge Oper im Nord – ist die eigene Spielstätte der Staatsoper Stuttgart für junges Publikum. Hier wird Oper neu gedacht: als offenes Labor, in dem gesungen, geforscht und mitgestaltet werden darf. Das JOiN versteht sich als Schnittstelle zwischen großer Oper und jungem Musiktheater, zwischen Profis und Publikum, Zuschauen und Mitmachen. Keith Bernard Stonum und Martin Mutschler geben Einblick in die Idee, Geschichte und Arbeitsweise dieses besonderen Ortes für neues Musiktheater.

Melanie Mohren und Bernhard Herbordt entwickeln seit 25 Jahren gemeinsam interdisziplinäre Arbeiten im Grenzbereich der Darstellenden Künste, sie kuratieren Kongresse und Festivals und sind im Bereich der künstlerischen Forschung aktiv. 2013 haben Herbordt/Mohren »Die Institution« als weit verzweigte Kunstanlage gegründet und arbeiten seitdem an einem erweiterten Theaterbegriff, in unterschiedlichen Formaten und Medien zu Institutionen und ihrer Aktualisierung. Zwischen Kunst und Forschung, Alltag und Bühne.